ГРАФИЧЕСКИЕ МАКЕТЫ ДЛЯ РЕКЛАМЫ ТЕАТРА «ПРАКТИКА»

СОДЕРЖАНИЕ
ВВЕДЕНИЕ………………………………………………………………………..31.ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКО-АНАЛИТИЧЕСКИЙ РАЗДЕЛ……………………51.1 Графический дизайн в рекламе……………………………………………51.2 Анализ графического дизайна в оформлении афиш театров…………..13
1.3 Особенности графического дизайна рекламы в социальных сетях……20Выводы………………………………………………………………………..252.ПРОЕКТНЫЙ РАЗДЕЛ   62.1 Название параграфа   62.2 Название параграфа  62.3 Название параграфа   62.4 Технико-экономические характеристики 6ЗАКЛЮЧЕНИЕ   7СПИСОК ИСТОЧНИКОВВВЕДЕНИЕ
Театр в современном мире обретает новую концепцию – если раньше театр был популярен среди старшего поколения, преобладали постановки по классическим литературным произведениям, то теперь театр становится современным, актуальным среди молодежи. Многие постановки представляют собой не просто пересказ произведения, а переосмысленный комментарий автора. Также многие театры становятся ближе к перформативному искусству. Ярким примером является театр «Практика» – экспериментальный театр современной драмы, который говорит со зрителем на одном языке.
Актуальность исследования 
Идея с масками в «Инстаграм» появилась во время карантина, когда современные художники устраивали выставки с помощью масок в «Инстаграм» (нужно было просто выбрать маску и открыть камеру, на экране появлялась выставочная площадка и, ходя по комнате, можно было просмотреть все пространство). Таким образом, новые условия существования создали новые возможности креатива. Поэтому для современного театра автор предлагает создать самые современные способы визуализации и продвижения.
Актуальность курсового исследования обусловлена необходимостью углубления знаний в выбранной теме, а также возможностями их современного применения в профессиональной дизайнерской деятельности.
Проблема исследования 
В России существуют различные театры, но, как правило у них серый дизайн афиш, тусклые цвета (бежевый, черные и т.д). Афиши сделаны сухо, статично. Учитывая современные тенденции развития графического дизайна, автор считает, что данная проблема является актуальной.
Объект исследования 
Афиши как способ популяризации театра и привлечения зрителей.
Предмет исследования 
Графические макеты для рекламы театра «Практика» в социальной сети «Инстаграм».
Гипотеза исследования 
Учитывая то, что «Инстаграм» является популярной социальной сетью, позволяющей эффективно коммуницировать с аудиторией, автор считает, что следует развивать аккаунт театра «Практика» в социальной сети «Инстаграм». По мнению автора, это позволит привлечь большее внимание аудитории к театру.
Задачи исследования
Так как театр «Практика» позиционирует себя как современный экспериментальный театр, задачей работы является создание соответствующих афиш.
Исходя из указанной цели проектной работы, основными задачами работы являются:
Изучение истории развития графического дизайна в рекламе
Анализ графического дизайна в оформлении афиш театров
Разработка печатного плаката (или статичной картинки)
Разработка анимированного плаката
Адаптация плаката к 3D (с помощью масок инстаграм можно будет «оживить» плакат)
Разработанность темы
Степень научной изученности темы является средней. В работах исследователей затрагиваются вопросы, связанные с графическим дизайном в социальных сетях, а также с созданием рекламы для рекламы театра, тем не менее, не все аспекты раскрыты в полной мере.
Методы исследования
В качестве инструментария используется комплекс методов: художе-ственно-аналитический, теоретический анализ, методы наблюдения, индуктивные и дедуктивные методы, исторический анализ, системный анализ.
Новизна исследования
Новизна исследуемой темы заключается в выявлении новых подходов, принципов разработки оригинальной концепции для дизайн-проекта.
Практическая значимость результатов
Практическая значимость исследования состоит в возможности внедрения полученных данных в дизайн-проекты. Результаты исследования могут быть использованы в процессе работы дизайнера.
Структура и объём ВКР
ВКР состоит из введения, двух глав, заключения. 
Список использованной литературы состоит из 14 источников.
Количество рисунков Х. Общий объём исследования Х страниц.
ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКО-АНАЛИТИЧЕСКИЙ РАЗДЕЛ 
1.1 Графический дизайн в рекламе
Графический дизайн – это искусство выбора и расположения визуальных элементов, таких как изображения, символы и цвета, для передачи сообщения аудитории. Иногда графический дизайн называют «визуальной коммуникацией» – термин, подчеркивающий его функцию придания формы информации, например, это дизайн книги, рекламы, логотипа или веб-сайта. Важная часть задачи дизайнера – объединить визуальные и вербальные элементы в упорядоченное и эффективное целое. Таким образом, графический дизайн – это смежная дисциплина: писатели создают слова, а фотографы и иллюстраторы создают изображения, которые дизайнер включает в полноценное визуальное сообщение.
Эволюция графического дизайна была тесно связана с технологическими инновациями, потребностями общества и развитием визуального языка. Графический дизайн использовался в различных формах на протяжении всей истории человечества, яркие примеры графического дизайна восходят к рукописям древнего Китая, Египта и Греции. По мере развития полиграфии и книжного производства в 15 веке наблюдался прогресс в графическом дизайне, были созданы новые шрифты и т.д.
В конце 19 века графический дизайн стал отдельной профессией на Западе, отчасти из-за процесса специализации работы, который там происходил, а отчасти из-за новых технологий и коммерческих возможностей, вызванных промышленной революцией. Новые методы производства привели к отделению дизайна как средства коммуникации (например, плаката) от его фактического производства. В конце 19 – начале 20 веков рекламные агентства, книжные издательства и журналы все чаще нанимали арт-директоров, которые организовывали все визуальные элементы коммуникации и объединяли их в гармоничное целое, создавая выражение, соответствующее содержанию. В 1922 году типограф Уильям А. Двиггинс ввел термин графический дизайн для обозначения новой области.
На протяжении ХХ века технологии, доступные дизайнерам, продолжали быстро развиваться, равно как и художественные и коммерческие возможности дизайна. Профессия чрезвычайно расширилась, и графические дизайнеры создали, среди прочего, страницы журналов, обложки для книг, плакаты, обложки компакт-дисков, почтовые марки, упаковку, товарные знаки, знаки, рекламу, а также веб-сайты. К началу 21-го века графический дизайн стал глобальной профессией, поскольку передовые технологии и промышленность распространились по всему миру.
Одним из популярных средств массовой информации для графического дизайнера стал плакат. Плакаты широко использовались для рекламы новых видов транспорта, развлечений и промышленных товаров на протяжении 19 века. Это стало возможным отчасти потому, что создатели шрифтов разработали шрифты большего размера для использования в размещаемых объявлениях и внедрили новые шрифты без засечек, с плоскими засечками, декором. Плакаты с брусковым шрифтом обычно имели вертикальный формат; типы смеси размеров и стилей были заданы горизонтальными линиями с выравниванием влево и вправо, что создавало визуальное единство. Плакат, созданный в 1854 году для Театра на Честнат-Стрит в Филадельфии, например, сочетал шрифты с контурными линиями, с падающими тенями, декоративными, без засечек, плоскими засечками, чрезвычайно широкими и узкими – все это были нововведения, появившиеся в 19 веке.
Плакат стал еще более популярным в результате развития литографии, изобретенной около 1798 года Алоисом Сенефельдером в Баварии. Основываясь на этом открытии, цветные литографии, называемые хромолитографиями, широко использовались во второй половине XIX века, и дизайнеры создавали все более красочные плакаты, которые украшали стены городов, освещали мероприятия, передвижные развлекательные шоу и товары для дома. Дизайнеры хромолитографических репродукций рисовали все элементы, текст и изображение, как одно произведение искусства; освобожденные от технических ограничений высокой печати, они могли при желании изобретать причудливые орнаменты и стили букв. Многие хромолитографии отражали интерес к публикации 1856 года английского дизайнера Оуэна Джонса «Грамматика орнамента», методической коллекции шаблонов и мотивов дизайна, содержащих примеры из азиатской, африканской и западной культур. Такие исследования соответствовали увлечению историзмом и изысканным декором, характерным для архитектуры и дизайна изделий в викторианскую эпоху.
Импульс для этого подхода к дизайну плакатов начался во Франции, где дизайнер плакатов Жюль Шере был пионером этого движения. Начав свою карьеру в 1867 году, он создал крупномасштабные литографические плакаты с яркими цветами, анимированными фигурами, текстурированными областями, сопоставленными с плоскими формами, и энергичными фигурами, запечатлевшими прекрасную эпоху Парижа на рубеже веков. За свою карьеру Шере разработал более тысячи плакатов.
Хромолитография также впервые в истории сделала красочные снимки доступными для широкого круга потребителей. Дизайнеры разработали идеи упаковки товаров, в жестяных банках, с этикетками, напечатанными яркими цветами и украшенными буквами. Они также создали упаковку, которые представляли собой пакеты с печатными изображениями птиц, цветов и других предметов.

Рис. 1.1.1 Афиша. Жюль Шере, 1896
В течение века графический дизайн широко распространился через журналы, газеты и книги. Автоматизация набора, в первую очередь с помощью машины Linotype, запатентованной в США в 1884 году Оттмаром Мергенталером, сделала эти носители более доступными. Один оператор линотипа мог выполнять работу семи или восьми ручных наборщиков, резко снижая стоимость набора и делая печатную продукцию менее дорогой.
В 19 веке одним из побочных продуктов индустриализма было снижение качества дизайна и производства книг. Дешевая тонкая бумага, некачественная печать, тусклые серые чернила и шрифты часто были в порядке вещей. Ближе к концу века началось возрождение книжного дизайна, которое было прямым результатом движения английского искусства и ремесел. Уильям Моррис, лидер движения, сыграл важную роль в эволюции дизайна. Моррис активно участвовал в разработке мебели, витражей, текстиля, обоев и гобеленов с 1860-х по 1890-е годы [9]. Глубоко озабоченный проблемами индустриализации и фабричной системы, Моррис считал, что возвращение к мастерству и духовным ценностям готического периода может восстановить равновесие в современной жизни. Он отказался от безвкусных товаров массового производства в пользу красивых, хорошо изготовленных предметов, которые он создавал.
В 1888 году Моррис решил создать печатный станок, чтобы вернуть качество книг первых десятилетий книгопечатания. Его Kelmscott Press начал печатать книги в 1891 году, используя старый ручной пресс, насыщенные плотные чернила и бумагу ручной работы. Декоративные бордюры и инициалы, разработанные Моррисом, а также ксилографии заказных иллюстраций были вырезаны вручную. Моррис разработал три шрифта на основе шрифтов 1400-х годов [11].
Влияние Kelmscott Press сразу же проявилось в росте движения частной прессы: полиграфисты и дизайнеры основывали небольшие типографии, чтобы создавать и печатать тщательно продуманные, ограниченные тиражи книги исключительной красоты. Архитектор и дизайнер Чарльз Роберт Эшби основал Essex House Press в Лондоне, а переплетчик Томас Джеймс Кобден-Сандерсон вместе с типографом сэром Эмери Уокером основал Doves Press в Hammersmith. Книги Doves Press, в том числе его монументальный шедевр, Библия Doves Press 1903 года, представляют собой удивительно красивые типографские книги. На них нет иллюстраций или орнаментов; вместо этого они предлагают тонкую бумагу, безупречную печать, изысканный шрифт дизайнов страниц. Следуя примеру Морриса, эти частные издательства твердо верили в социальную ценность создания привлекательных и функциональных визуальных коммуникаций, доступных гражданам всех слоев общества [9].
В Соединенных Штатах дизайнеры шрифтов, в частности Фредерик В. Гуди и Моррис Ф. Бентон, возродили традиционные шрифты. Американский книжный дизайнер Брюс Роджерс, также вдохновленный Движением искусств и ремесел, сыграл значительную роль в обновлении книжного дизайна. Применяя идеалы красиво оформленной книги к коммерческому производству, Роджерс установил стандарт для хорошо оформленных книг в начале 20 века. Роджерс обладал тонким чувством визуальных пропорций. Он также рассматривал дизайн как процесс принятия решений, чувствуя, что выбор полей, бумаги, стилей и размеров шрифтов и пространственного положения объединяется, чтобы создать единство и гармонию. Историк Беатрис Вард писала, что Роджерсу «удалось украсть Божественный огонь, который светился в книгах Kelmscott Press, и каким-то образом первым низвести его на землю».
Ар-нуво было международным дизайнерским движением, которое возникло и коснулось всех дизайнерских искусств – архитектуры, моды, мебели, графики и промышленного дизайна в 1890-х и начале 20-го века. Его отличительной чертой была извилистая криволинейная линия. В графическом дизайне в стиле модерн часто использовались стилизованные абстрактные формы, контурные линии и плоское пространство, вдохновленное японскими гравюрами укиё-э. Художники на Западе узнали о гравюрах укиё-э по мере роста торговли и общения между восточными и западными народами во второй половине XIX века. Основываясь на примере японцев, дизайнеры в стиле модерн сделали цвет, а не тональное моделирование, основным визуальным атрибутом своей графики.
Одним из самых новаторских плакатов движения ар-нуво был плакат 1893 года художника Анри де Тулуз-Лотрека с танцовщицей Джейн Аврил, выступавшей в то время в Парижском саду. На этом и других подобных постерах Тулуз-Лотрек запечатлел живую атмосферу, сведя изображения к простым плоским формам, которые передают окружающую среду. Хотя Тулуз-Лотрек создал всего около трех дюжин плакатов, его раннее применение влияния укиё-э продвинуло графический дизайн к более упрощенным изображениям, которые обозначали, а не изображали предмет. Он часто объединял надписи со своими изображениями, рисуя их в той же технике, что и графические элементы.

Рис. 1.1.2 Афиша. Анри де Тулуз-Лотрек
Альфонс Муха, молодой чешский художник, работавший в Париже, широко известен как графический дизайнер, который довел ар-нуво до его окончательного визуального выражения. Начиная с 1890-х годов, он создавал рисунки, обычно с изображением красивых молодых женщин, чьи волосы и одежда извивались в ритмичных узорах, которые достигали идеализированного совершенства. Он организовал в плотные композиции декоративные элементы, вдохновленные византийским и исламским дизайном, стилизованными буквами и женскими формами. Как и многие другие дизайнеры того времени, Муха первым привлек внимание общественности к дизайну плакатов, но он также получил заказы на обложки журналов, упаковки, дизайн книг, рекламные материалы и даже почтовые марки. Таким образом, роль и сфера деятельности в области графического дизайна на протяжении всего периода неуклонно расширялись.

Рис. 1.1.3 Афиша. А. Муха, 1896
Ар-нуво отверг историзм и сделал упор на формальное изобретение, и поэтому он стал переходным движением от викторианского дизайна к движениям современного искусства начала 20-го века. Это ощущение перехода совершенно очевидно в творчестве бельгийского художника и дизайнера Генри ван де Вельде. После перехода от постимпрессионистской живописи к мебели и графическому дизайну в 1890-х годах он использовал линии и формы, вдохновленные миром природы, так, что они выглядели как «чистая форма»; то есть они как абстрактные формы, придуманные дизайнером, а не как формы от природы. В таких работах, как его плакат для пищевого концентрата Tropon (1899), волнообразные линейные движения, органические формы и теплые цвета объединяются в графическое выражение. Хотя этот плакат был интерпретирован как обозначающий процесс разделения яичных желтков и белков, обычный зритель воспринимает его как чистую форму.
Опираясь на формальные дизайнерские эксперименты начала века, между мировыми войнами, европейские графические дизайнеры использовали новые формы, организацию визуального пространства и стили таких авангардных движений, как кубизм, конструктивизм, де Стейл, футуризм, супрематизм и сюрреализм. Вдохновленные этими движениями, графические дизайнеры все больше обращались к самым элементарным формам дизайна. Такое внимание к основным формальным элементам медиума характеризует модернистские эксперименты, преобладающие во всех искусствах того периода.
Одним из пионеров этого подхода был работающий в Англии американец Э. Макнайт Кауффер, который был одним из первых дизайнеров, которые поняли, как элементарные символические формы кубистской и футуристической живописи могут быть применены к коммуникативной среде графического дизайна. На протяжении первой половины 20-го века его плакаты, обложки для книг и другая графика приобрели непосредственность, хорошо подходящую для быстро меняющейся городской среды.
1.2 Анализ графического дизайна в оформлении афиш театров
Театр «Практика» – ультрасовременный и во многом экспериментальный театр. Расположенный в центре Москвы (метро «Пушкинская»), театр является местом, где ставят современные спектакли режиссеры и актеры нового поколения с особым подходом к театральным постановкам. Исследуемые темы очень актуальны, язык также определенно современный. Театр «Практика» – первый Московский государственный театр современной драмы. Он был основан в 2005 году продюсером, театральным режиссером, педагогом драмы Эдуардом Бояковым, который искал новые формы искусства и сотрудничал со зрителями, стремясь понять, как должно выглядеть искусство в современном мире.
Эдуард Бояков предложил новый подход к организации работы театра «Практика». Каждый спектакль – это отдельный проект со своим режиссером и актерским составом. Репертуар утверждается Координационным советом, в который входят режиссер, художественный руководитель и продюсеры. В результате репертуар театра состоит из самых разнообразных постановок, которые не ограничиваются одной постоянной труппой актеров, а имеют общий стиль.
В разное время в театре ставились пьесы драматургов Юрия Клавдиева, Германа Грекова, Ивана Вырыпаева, Михаила Угарова, Павла Пряжко, Джоэла Поммерата, режиссеров Владимира Агеева, Филиппа Григоряна, Светланы Земляковой, Руслана Маликова, Виктора Рыжакова. Театр «Практика» с 2013 года возглавляет режиссер, актер и драматург Иван Вырыпаев. Сегодня в его репертуаре несколько его спектаклей: «Сахар», «НЛО», «Благодать и стойкость», «Иллюзии», «Невыносимое». «Сахар» – это сочетание музыки Казимира Лиске и текста российского режиссера, актера и драматурга Ивана Вырыпаева, прямое обращение к эмоциям публики. Вот что режиссер говорит о своей постановке: «Мы хотели бы поговорить о коммуникации, а также обо всем, что связано с этой концепцией. Здесь вы найдете любовь, умение жить среди других людей, юмор и способность воспринимать себя и окружающий мир такими, какие они есть. Но самое главное, о чем мы хотели бы поговорить, а точнее, о том, что мы хотели бы испытать вместе со зрителями, – это определенное качество жизни. Качество жизни, где основным элементом восприятия является чувственность».
В «НЛО» представлены разговоры с людьми, которые утверждают, что видели такие объекты. Еще один спектакль, вызвавший широкий общественный резонанс, – «Кеды», постановка Руслана Маликова по пьесе Любови Стрижак. Это история, типичная для молодого поколения (так называемых хипстеров), она обращается к жизни без цели и ее фрагментарности, а также к концепции свободы воли. Зрители вовлекаются в действие и общаются на протяжении всего представления.
Взгляд на современную жизнь, созданный 20-летними актерами, представлен в проекте «Это тоже я. Дословно», постановке выпускников Мастерской Дмитрия Брусникина. Зрители взаимодействуют с произведением, и в результате возникает новая реальность.
Многолетний документальный проект театра «Персона.doc» представляет собой смешанные жанровые пьесы о десяти деятелях культуры, которые, по выражению Боякова, являются «героями современной культуры». Эта концепция уникальна тем, что Андрей Родионов, Бронислав Виногродский, Владимир Мартынов, Гермес Зайготт, Ольга Дарфи, Смоки Мо, Петлюра, Олег Генисарецкий, Олег Кулик и Александр Гельман смотрят на себя изнутри и играют самих себя на сцене.
Театр Практика олицетворяет единство стиля. Даже в плане дизайна здесь все продумано до мелочей. Это касается не только его спектаклей, но и пространства внутри театра, театральных программ, театрального кафе и т. д.
В отличие от часто предсказуемых и шаблонных условностей киноплакатов, богатство и разнообразие театрального плаката может предложить гораздо более визуально захватывающий дизайн.
Самая публичная из всех визуальных коммуникаций, афиша всегда требовала внимания и заинтересованности от прохожих. Создание мощных визуальных образов для эффективной передачи и продвижения переживаний, эмоций и сложностей театра представляет собой особенно сложную задачу для дизайнера.
Плакат воплощает суть пьесы, интерпретирует часто своеобразное видение сценария режиссером, интригует и обольщает публику и убеждает и все это в одном изображении.
Возможно, нет другой области дизайна, кроме плаката, где графический дизайнер будет считаться художником. Что касается театральных плакатов, дизайн предлагает огромный потенциал, чтобы быть большим, чем просто утилитарным и коммерческим средством, используемым просто как маркетинговый материал.

Рис. 1.2.1 Афиша к спектаклю «Макбет», 1982. Илл. Р. Стедман
Выдающийся плакат может сохранять уникальное эстетическое значение сам по себе и рассматриваться как искусство, выходящее за рамки каких-либо узких ограничений коммерческого дизайна [3].
Иллюстрация и фотография находят необычайно плодотворную платформу в жанре, где вызывающая атмосфера является важным элементом в привлечении потенциальной аудитории.
В недавнем прошлом выдающиеся дизайнеры плакатов, такие как Кен Бриггс, Джордж Мэйхью, Ричард Бёрд и Майкл Мэйхью, создали особую эстетику, которая не только продвигала отдельные постановки, но и коллективно олицетворяла визуальную идентичность Национального театра.
Афиша театра часто бывает драматичной. Поход в театр может быть травмирующим и эмоциональным, и нужно что-то из этого запечатлеть. Он должен быть более мощным, более прямым. Образы Ральфа Стедмана пропитаны ощущением от пьесы. Дизайнер создает нечто, что уже является невероятно мощной средой, более экзотической и более интенсивной.

Рис. 1.2.2 Афиша для Национального театра Лондона, 2001
Дизайнер Майк Демпси говорит, что плакат требует двух основных качеств: «Театральный плакат должен быть интригующим и неожиданным».
Театральный плакат, несмотря на то, что он имеет небольшие тиражи и, как правило, ограниченное распространение, работает с производственной фотографией как единственным осязаемым аспектом, остающимся от непостоянной природы живого театра.
Идеальный плакат это тот, который захватывает зрителя, тот, который заставляет подсознательно остановиться, чтобы рассмотреть изображение. Он всегда будет успешным, если его дизайнер воплотит оригинальную идею с визуальной ясностью,используя цвет, типографику и убедительные изображения, не теряя при этом простоты сообщения. Отличный театральный плакат может до отказа заполнить зал.
Национальный театр занимает особое место в истории и эволюции плаката в Британии. С момента своего создания в 1963 году NT использовал плакаты для продвижения и визуального выражения огромного количества постановок.

Рис. 1.2.3 Афиша для спектакля «Красные носы», Ллойд Нортуовер, 1985
За более чем пять десятилетий над созданием плакатов работали всего пять человек: Кен Бриггс, Ричард Берд, Майкл Мэйхью, Шарлотта Уилкинсон и Олли Винсер, нынешний креативный директор Студии графического дизайна. Было выпущено более 1700 плакатов. Дизайнеры использовали самые разные подходы, и между их работами есть заметные различия. Эти вариации отражают индивидуальные особенности и навыки человека, моду того времени и меняющиеся представления о наиболее эффективном способе графического общения с аудиторией [7].
Хороший дизайн плаката театра характеризуют те же качества, что и любой хороший дизайн. Таким образом, плакат должен быть привлекающим внимание, но информативным, эмоциональным, организованным и т. д. Также любой дизайн для представления должен взывать вопрос. Зритель должны посмотреть на плакат и почувствовать это.

Рис. 1.2.4 Афиша для пьесы У. Шекспира
Как и в случае с модой, театральный плакат вносит свой вклад в ауру представления и даже самого места проведения. Хорошим примером этого является плакат Валлийской национальной оперы к опере Доницетти «Анна Болейн». Дизайнер взял самый яркий образ героини и просто наложил визуальную идентичность WNO, используя висцеральный разрез Говарда Ходжкина по ее горлу. Он ясный и захватывающий и намекает на то, что действие не будет рутинным.

Рис. 1.2.5 Афиша для оперы «Анна Болейн»
Плакаты это одновременно история дизайна и пример того, как плакат как средство массовой информации развивался за последние полвека.
1.3 Особенности графического дизайна рекламы
в социальных сетях
Социальные сети действуют визуально, и рост таких платформ, как Instagram, говорит о том, что эта тенденция сохраняется. Хорошо задокументировано, что сообщения практически во всех социальных сетях работают лучше, если они содержат привлекательные изображения и анимационную графику.
Мы окружены информацией. Она приходит отовсюду, вне зависимости от того, онлайн мы или офлайн. Наша сенсорная система получает данные и передает их в мозг. Процесс распознавания и интерпретации входных данных называется восприятием. Среди всех видов восприятия (звука, прикосновения, вкуса, запаха и т. д.), визуальное восприятие является основным, поскольку 90% информации, поступающей в наш мозг, является визуальной. Исходя из этого, и маркетологи, и дизайнеры признают важность использования визуальных материалов в маркетинговых стратегиях. Рассмотрим способы создания эффективного визуального контента для социальных сетей.
Когда дело доходит до маркетинга в социальных сетях (SMM), графический дизайн является решающей частью общей контент-стратегии. Независимо от того, насколько хорош текст, никто его не заметит, если он не сопровождается красивыми визуальными эффектами, привлекающими внимание людей во время просмотра.
Рассказывая историю компании с помощью графики, важно помнить о стратегических целях, применимых к конкретному маркетинговому каналу. В зависимости от типа бизнеса SMM может работать для разных целей.
Управляя бизнесом B2C (Business-to-Consumer), владельцы могут привлекать клиентов через социальные сети, потому что их лиды достигают финальной стадии воронки продаж, даже не покидая сеть социальных сетей. Компании B2B (Business-to-Business) больше ориентированы на направление потенциальных клиентов на свои веб-сайты, чтобы представить их компании и продемонстрировать опыт компании. Вот почему дизайнеры должны разрабатывать визуальные материалы, исходя из бизнес-модели и маркетинговой стратегии.
Не только маркетинговые цели, но и социальные сети влияют на визуальный дизайн. Если компания общается со своей аудиторией в Facebook, Twitter и LinkedIn официально, а не дружелюбно, дизайн должен поддерживать тон с подходящими цветами и типографикой. В то время как дизайн визуальных материалов для Instagram и Snapchat может быть более непринужденным.
Типы визуального контента в маркетинге в социальных сетях:
Графика оригинальная графика и уникальные иллюстрации помогают контенту выделяться в новостных лентах социальных сетей.
Фотографии яркие и креативные фотографии отлично подходят для демонстрации того, что происходит за кадром.
Видео всем известно, что красивое видео привлекает все больше внимания в социальных сетях.
Анимированные изображения отличный способ привлечь внимание подписчиков или показать историю, которую нужно рассказать.
Цвет обладает исключительной способностью влиять на настроение людей и вызывать различные эмоции в зависимости от их культурных и личных особенностей. Выбирая правильный оттенок, дизайнер должен учитывать сообщение, тон голоса компании и особенности конкретной социальной сети.
Первоочередная задача сделать контент визуально привлекательным. Не многие пользователи заходят на страницу компании, чтобы проверить недавние сообщения. Большинство подписчиков просматривают обновления, прокручивая новостные ленты. Таким образом, у вас есть меньше секунды, чтобы заставить пользователя остановиться и прочитать ваше сообщение.
Можно добавить новые оттенки, даже если уже есть собственная цветовая палитра, отражающая индивидуальность бренда. Можно использовать яркие цвета. При этом важно соблюдать баланс, чтобы изображения не выглядели ошеломляющими.
Контраст это полезный инструмент для организации нескольких графических объектов и сосредоточения внимания на определенном визуальном элементе. Контраст может усилить дизайнерскую идею, соединить и дополнить элементы или сделать весь образ бессмысленным и запутанным.
Человеческие глаза любят контраст. Контраст может быть связан с цветом, размером, текстурой, формой, композицией и т. д. Он пробуждает человеческое зрение и привлекает внимание, что очень важно в наши дни, когда пользователи просматривают новостные ленты за короткое время [3].
Заставить людей прочитать текст на картинке еще сложнее, чем заставить их заметить картинку. Вот почему выбор правильного шрифта и структуры имеет важное значение при разработке визуальных эффектов для социальных сетей.
По данным Statista, количество пользователей социальных сетей на смартфонах к 2022 году достигнет 186,3 миллиона в месяц. Поэтому очень важно, чтобы сообщение читалось на экране смартфона.
Людям не нравится сложная типографика в социальных сетях. Пользователи хотят, чтобы сообщение было четким и понятным, поэтому читаемость должна быть приоритетом. Однако изображения, сильно ориентированные на текст, могут показаться скучными. Можно добавить в сообщение соответствующие значки или поиграйте с размерами, цветами и весом.
Стиль в дизайне имеет широкое определение. Это сложное сочетание цветов, шрифтов, композиций и так далее. Стиль делает дизайн узнаваемым.
Некоторые дизайнеры считают, что придерживаться одного и того же стиля невыгодно для их портфолио. Для профессионального роста важно пробовать разные техники и подходы. Это применимо к дизайну визуальных эффектов социальных сетей. Стиль необходим, чтобы удивить подписчиков страниц оригинальными дизайнерскими решениями.
Распространено использование шаблонов для однотипного контента. Еженедельно можно использовать один и тот же шаблон для каждого объявления. С помощью готовых шаблонов аудитория будет знать, откуда пришло сообщение и какую информацию оно передает.
Еще одно преимущество использования шаблонов заключается в том, что люди, не являющиеся дизайнерами, могут сами быстро создать пост для социальных сетей, чтобы сэкономить время.
Помочь аудитории быстро и точно понять информацию можно, используя визуальную иерархию. Эти принципы основаны на теории гештальт. Согласно этой теории, люди склонны воспринимать совокупность объектов до того, как обнаруживают отдельные объекты.
Благодаря структурированным визуальным характеристикам (размер, цвет, контраст, повторение, близость, текстура, выравнивание и т. д.), дизайнеры могут заставить глаза пользователей следовать определенному пути чтения и привлечь внимание пользователей к наиболее важным элементам.
Создавать дизайн, привлекающий внимание людей, это здорово, но для социальных сетей внимания недостаточно. Для продаж нужно, чтобы аудитория была активной, коммуницировала делясь, ставя лайки и комментируя. Так что необходимо добавлять в дизайн элементы призыва к действию и стимулирующий текст.
Независимо от того, является ли дизайн простым или сложным, он должен быть ясным, особенно в отношении графики в социальных сетях. Нужно соблюдать баланс между простотой и информативностью, поэтому необходимо следить, что сообщение очевидно.
Визуальная графика является неотъемлемой частью любого маркетингового плана в социальных сетях, и вклад дизайнера в успех маркетинговой стратегии неоспорим. Дизайнер должен учитывать маркетинговые цели и тон компании при создании любых визуальных эффектов для социальных сетей. Также главное правило в работе с социальными сетями никогда не прекращать экспериментировать.
Маски в инстаграм это визуальные эффекты, которые автоматически накладываются на лицо человеку при наведении камеры. Их используют для фото и видео в сториз инстаграм. Иногда для проведения прямых эфиров.
Изначальный набор масок не очень большой. Поэтому многие звёзды и блогеры начали создавать свои маски.
Разновидности масок в ИнстаграмМаски визуальные эффекты, которые накладываются на лицо.
Эффекты камеры визуальные эффекты, которые накладывают фильтр на всю область изображения.
Проекции объектов 2D/3D проекции предметов, персонажей, объектов, которые встраиваются во всю область изображения.
Проекции объектов + Target Tracker аналогично понятию «проекция объектов», но эффект возникает только при наведении на конкретный объект (маркер).
Интерактивный AR-контент воссозданная игровая среда внутри приложения Instagram, где гейпад это ваши глаза.
Процесс разработки маски для «Инстаграм»:
определение целей и задач;
подготовка материалов;
создание маски в SparkAR;
подготовка видео-презентации и иконки для загрузки маски в Instagram;
загрузка и прохождение модерации;
публикация.
Условно все визуальные эффекты можно разделить:
Коммерческие это AR-контент, который создается в первую очередь для увеличения продаж, а уже после в развлекательно-вовлекающих целях. Основой для продающей маски является наличие лояльности. Внутри случайных действий, которые могут выпасть добавлены промо-коды.
Некоммерческие это AR-контент, который создается для развлекательных целей. А также для увеличения числа подписчиков/охватов автора эффекта.
Чтобы маска набирала популярность без рекламных вложений, необходим качественный и вызывающий эмоции AR-контент. Шанс запустить «вирусный эффект» для коммерческого проекта равен ~0,0001.
Способы продвижения:
Подписчики профиля. После загрузки эффекта, сообщите об этом вашим подписчикам. Предложите примерить маску, а взамен сделайте репост у себя в сторис.
Плюсы:
«Стартовый толчок» продвижения;
Лояльная аудитория;
Не требует вложений.
Минусы:
Ограниченное число аудитории.
Взаимный пиар. Найдите создателя масок с количеством подписчиков близким к вашему. Расскажите о масках друг друга. Плюсы и минусы аналогичны первому пункту.
Реклама у блогера. AR-контент отлично подойдет для рекламы профиля. Помимо подписчиков можно получить новых пользователей маски.
Плюсы:
Возможность подобрать схожую по тематике аудиторию;
Эффективная рекламная интеграция у блогеров.
Минусы:
Ограниченное число аудитории;
Платное размещение;
Множество блогеров с накрученной активностью.
Таргетированная реклама в Инстаграм.
По мнению экспертов, таргетированная реклама это наилучший способ продвижения визуального эффекта. Уже сегодня любой пользователь может запустить рекламу с AR-контентом и возможностью моментальной покупки предмета из маски.
Выводы
Исходя из вышеизложенного, можно сделать вывод о том, что графический дизайн является мощным инструментом в рекламе. Учитывая особенности работы учреждений культуры, в частности, театров, создание афиш представляется автору важным аспектом их деятельности.
Так как развитие и влияние социальных сетей является непреложным фактом современности, разработка масок для «Инстаграм» станет актуальным шагом в рекламной деятельности театра «Практика».
СПИСОК ИСТОЧНИКОВ
1.Бердяев H.A. Кризис искусства. – М.: Иитерпринт, 2000. – 47с.
2.Ван де Вельде А. Очищение искусства. М.: Искусство, 2002. 83 c.
3.Вельфлин Г. Основные понятия истории искусств. Проблема эволюции стиля в новом искусстве. СПб.: Мефрил, 2004. – 427 с.
4.Власов В.Г. Стили в искусстве. СПб.: Лита, 2008. – 672 с.
5.Гартман Н. Эстетика. М.: Иностранная литература, 1958. – 692 с.
6. Гулыга A.B. Принципы эстетики. М.: Политиздат, 2007. – 285 с.
7. Дмитриева H.A. Краткая история искусств. М.: Искусство, 2003. – 350 с.
8. Зайцев Г.Б. Зарубежное изобразительное искусство XIX начала XX веков. М.: Искусство. 2009. – 251с.
9.Каргалицкий Ю. Утопия У. Морриса. М.: Искусство, 2002. – 327 с.
10.Культурная среда и ее освоение. М.: Наука, 2008. – 105 с.
11.Кучерова Е.Н Природа в эстетике Морриса // Эстетика Морриса и современность. М.: Искусство, 1987. – С. 203 – 221.
12.Лосев А.Ф. Проблема художественного стиля. Киев: Радуга, 2004. 248 с.
13.Наливайко Д.С. Искусство: направления, стили, течения. – Киев, 2005. – 365 с.
14.Сарабьянов Д.В. Стиль модерн: история, истоки, проблемы.- М.: Искусство, 2009. 294 с.