Эссе на тему: Импрессионистические натюрморты Грабаря и Коровина

(ttps://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D0%BC%D0%BF%D1%80%D0%B5%D1%81%D1%81%D0%B8%D0%BE%D0%BD%D0%B8%D0%B7%D0%BC). (ttps://www.designonstop.com/webdesign/trends/impressionizm-stil-v-izobrazitelnom-iskusstve-i-ego-osobennosti.htm). (ttps://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D0%BC%D0%BF%D1%80%D0%B5%D1%81%D1%81%D0%B8%D0%BE%D0%BD%D0%B8%D0%B7%D0%BC).

Импрессионизм оказал большое влияние на развитие живописи не только во Франции, но и в других странах, в том числе и в России. Русские художники усвоили и развили приемы и техники импрессионистов, привнеся в них свою национальную специфику и индивидуальность. Одним из самых популярных жанров русского импрессионизма стал натюрморт, который позволял демонстрировать мастерство работы с цветом, светом и формой.

Целью данного эссе является анализ творчества двух выдающихся представителей русского импрессионизма в жанре натюрморта - Игоря Грабаря и Константина Коровина. Для достижения этой цели необходимо решить следующие задачи:

• изучить особенности французского и русского импрессионизма;
• рассмотреть биографии и творческие методы Грабаря и Коровина;
• проанализировать их натюрморты с точки зрения композиции, цвета, света, настроения и смысла;
• сравнить их стили, приемы, тематику и эмоциональное воздействие на зрителя;
• оценить значимость и место их натюрмортов в истории русской живописи.

(ttps://topref.ru/referat/79364.html). (ttps://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A0%D1%83%D1%81%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D0%B8%D0%BC%D0%BF%D1%80%D0%B5%D1%81%D1%81%D0%B8%D0%BE%D0%BD%D0%B8%D0%B7%D0%BC). (ttps://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A0%D1%83%D1%81%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D0%B8%D0%BC%D0%BF%D1%80%D0%B5%D1%81%D1%81%D0%B8%D0%BE%D0%BD%D0%B8%D0%B7%D0%BC).

Рассмотрим историю возникновения и развития импрессионизма в русской живописи, влияние французских импрессионистов на русских художников, а также основные представители и течения русского импрессионизма.

Импрессионизм в русской живописи начал формироваться в 1880-х годах под влиянием французского искусства, которое стало доступно для изучения благодаря выставкам, публикациям и поездкам русских художников за границу. Особенно большое значение имели выставки «Мир искусства» (1898—1904), на которых были представлены работы Клода Моне, Эдгара Дега, Пьера Огюста Ренуара, Альфреда Сислея и других французских импрессионистов. Также значительный вклад в распространение импрессионистических идей внесли критики и теоретики искусства, такие как Сергей Дягилев, Александр Бенуа, Владимир Стасов, Николай Врубель и другие.

Русские художники были поражены свежестью, свободой и жизнерадостностью французского импрессионизма, который отличался от академического реализма и темного социального пейзажа того времени. Они стали экспериментировать с цветом, светом, композицией, пытаясь передать свои непосредственные ощущения от природы и быта. Они также отказались от традиционных сюжетов и персонажей, предпочитая изображать простых людей, повседневные сцены, пейзажи и натюрморты. Они также отдали предпочтение пленэру, то есть работе на открытом воздухе, где можно было лучше зафиксировать изменения света и атмосферы.

Импрессионизм в русской живописи не был единым и однородным направлением, а скорее собирательным названием для различных течений и группировок, которые имели общие черты, но и свои особенности. Среди них можно выделить следующие:

• Московский импрессионизм, представленный такими художниками, как Константин Коровин, Абрам Архипов, Валентин Серов, Филипп Малявин, Станислав Жуковский и другие. Они отличались ярким и насыщенным колоритом, динамичностью и экспрессивностью кистевого почерка, интересом к фольклору и национальной культуре.
• Петербургский импрессионизм, представленный такими художниками, как Игорь Грабарь, Борис Кустодиев, Николай Рерих, Александр Бенуа и другие. Они отличались более сдержанным и изысканным колоритом, строгостью и гармоничностью композиции, интересом к истории и архитектуре.
• Южный импрессионизм, представленный такими художниками, как Аркадий Рылов, Николай Дубовской, Константин Юон и другие. Они отличались светлым и прозрачным колоритом, лиризмом и поэтичностью изображения, интересом к природе и пейзажу.

Импрессионизм в русской живописи достиг своего расцвета в 1900-1910-х годах, когда он стал доминирующим стилем в творчестве многих художников. Однако с приходом новых художественных течений, таких как постимпрессионизм, экспрессионизм, кубизм и футуризм, импрессионизм постепенно утратил свою актуальность и новизну. Тем не менее, он оказал большое влияние на развитие русской живописи в ХХ веке и стал частью национального художественного наследия.

Французские импрессионисты оказали значительное влияние на русских художников не только своими произведениями, но и своим образом жизни и творчества. Они были примером для русских художников свободы выбора темы, стиля и манеры письма, независимости от академических канонов и официальных институтов искусства, самостоятельности в организации выставок и продаже своих работ. Они также были примером для русских художников дружбы и солидарности в творческом коллективе. Французские импрессионисты объединялись в группы, организовывали совместные выставки, обменивались опытом и поддерживали друг друга в трудных ситуациях. Они также делились своими художественными открытиями и находками, такими как новые краски, кисти, холсты и техники письма. Они не боялись экспериментировать и пробовать новое, даже если это вызывало непонимание и критику со стороны общества и официальных институтов искусства.

Русские художники, восхищавшиеся французскими импрессионистами, стремились подражать им не только в живописи, но и в образе жизни. Они также создавали свои объединения и творческие группы, такие как «Мир искусства», «Союз русских художников», «Бубновый валет» и другие. Они также устраивали собственные выставки, на которых демонстрировали свои работы широкой публике. Они также поддерживали дружеские и творческие связи между собой, обсуждали свои идеи и планы, дарили друг другу свои картины или обменивались ими. Они также путешествовали по разным странам и городам, посещая музеи и галереи, знакомясь с местными художниками и культурой.

Таким образом, французские импрессионисты оказали большое влияние на русских художников не только своим творчеством, но и своим примером свободы, самостоятельности, дружбы и солидарности в искусстве.

Игорь Эммануилович Грабарь (1871-1960) - один из самых выдающихся и многогранных деятелей русской культуры, известный не только как художник, но и как архитектор, искусствовед, художественный критик и музейный работник. В этой главе мы рассмотрим его творчество в жанре натюрморта, которое занимает особое место в его художественном наследии.

Игорь Грабарь родился 25 марта 1871 года в Киеве в семье адвоката. С детства он проявлял интерес к искусству и учился рисовать у разных учителей. В 1889 году он поступил на юридический факультет Московского университета, но продолжал заниматься живописью. В 1891 году он переехал в Петербург и поступил на Императорскую Академию художеств, где учился у Ильи Репина и Павла Чистякова. В 1894 году он получил золотую медаль за картину “Анна Каренина на вокзале”. В 1896 году он совершил свое первое путешествие за границу и познакомился с творчеством французских импрессионистов, которые произвели на него большое впечатление.

В 1903 году Грабарь стал академиком живописи и членом Передвижников. Он активно участвовал в выставочной деятельности и организации различных художественных объединений, таких как “Мир искусства”, “Союз русских художников”, “Бубновый валет” и другие. Он также занимался педагогической работой, преподавая в Высших художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС) и Академии художеств. Он был одним из основателей и руководителей Государственного научно-исследовательского института изобразительных искусств (ГНИИИ), а также директором Третьяковской галереи с 1913 по 1926 год.

В 1917 году Грабарь принял активное участие в охране и сохранении памятников культуры от разрушения и грабежа. Он возглавлял Комиссию по охране памятников искусства и старины при Совете Народных Комиссаров (СНК) и был одним из инициаторов создания Государственного музея нового западного искусства, в котором собрались шедевры импрессионизма и постимпрессионизма. Он также занимался реставрацией и консервацией произведений искусства, разработав новые методы и технологии.

В 1920-1930-х годах Грабарь продолжал писать картины, в основном пейзажи и натюрморты, а также занимался научной и публицистической работой. Он написал несколько книг по истории и теории искусства, таких как “История русского искусства”, “История европейской живописи”, “О живописи”, “Автомонография” и другие.

Грабарь относится к поколению художников, которые в конце XIX - начале XX века внесли новые тенденции в русскую живопись, под влиянием французского импрессионизма и постимпрессионизма. Он был одним из первых русских художников, которые стали использовать чистые и яркие цвета, свободный и динамичный мазок, световоздушную перспективу и пленэрную живопись. Он стремился передать свои мимолетные впечатления от природы и окружающей действительности, не углубляясь в психологический анализ или социальную критику.

Грабарь работал в разных жанрах живописи: пейзаже, портрете, натюрморте, интерьере. Он также писал эскизы для театральных декораций и костюмов, иллюстрации для книг и журналов, занимался графикой и скульптурой. Он был мастером цвета и света, умел создавать гармоничные и изысканные сочетания оттенков, подчеркивать контрасты и переливы, передавать атмосферу времени суток и года. Он также обладал чувством композиции и пропорций, умел расставлять акценты и ритмизировать пространство.

Натюрморт был одним из любимых жанров Грабаря, в котором он достиг высокого мастерства. Он писал натюрморты с разными предметами: фруктами, цветами, посудой, книгами, музыкальными инструментами и др. Он не стремился к реалистичности или символизму в изображении этих предметов, а скорее к передаче своего эстетического восприятия и настроения. Он использовал натюрморт как повод для экспериментов с цветом и светом, создавая разнообразные тональные гаммы и колористические эффекты. Он также обращал внимание на форму и фактуру предметов, подчеркивая их объемность и материальность.

Натюрморты Грабаря не имеют определенной тематики или символики. Они скорее отражают его личный взгляд на мир и его красоту. Он выбирал предметы для своих натюрмортов по своему вкусу и настроению, не преследуя какой-то заранее заданной цели или смысла. Он не стремился к аллегории или морали, а скорее к гармонии и радости. Он не писал натюрморты как жанр сам по себе, а скорее как часть своего творческого дневника, в котором он фиксировал свои впечатления и переживания.

Однако, можно выделить некоторые общие черты и мотивы в натюрмортах Грабаря, которые характеризуют его стиль и метод. Одним из таких мотивов является цветок, который часто присутствует в его натюрмортах. Цветок для Грабаря - это символ жизни, красоты, свежести, радости. Он любил писать цветы разных сортов и видов: розы, лилии, нарциссы, гвоздики, астры, хризантемы и др. Он изображал их в вазах, букетах, корзинах или просто на столе. Он передавал их разнообразие форм, цветов и запахов. Он также писал цветы в разное время года и дня: весной и осенью, утром и вечером, при солнечном или пасмурном свете. Он создавал контрасты между цветами и фоном, подчеркивая их яркость или нежность.

Другим частым мотивом в натюрмортах Грабаря является фрукт. Фрукт для Грабаря - это символ плодородия, изобилия, наслаждения. Он писал фрукты разных сортов и видов: яблоки, груши, абрикосы, персики, сливы, лимоны, апельсины и др. Он изображал их в тарелках, блюдах, корзинах или просто на столе. Он передавал их сочность, спелость, аромат. Он также писал фрукты в разное время года: летом и зимой, свежие или засушенные. Он создавал контрасты между фруктами и фоном, подчеркивая их насыщенность или бледность.

Еще одним мотивом в натюрмортах Грабаря является посуда. Посуда для Грабаря - это символ быта, культуры, традиции. Он писал посуду разных форм, материалов и стилей: кувшины, чайники, чашки, блюдца, тарелки, стаканы и др. Он изображал их из стекла, фарфора, керамики, металла, дерева и др. Он передавал их форму, блеск, отражение, текстуру. Он также писал посуду в разных контекстах: на столе, на полке, на подоконнике и др. Он создавал контрасты между посудой и фоном, подчеркивая их декоративность или функциональность.

В этом разделе мы проанализируем два натюрморта Грабаря. Это период его зрелого творчества, когда он достиг высокого уровня мастерства в жанре натюрморта.

Натюрморт «Яблоки».

На картине изображен натюрморт с яблоками, расположенными на белой скатерти на столе. Композиция картины простая и симметричная. Центральное место занимают яблоки, которые выложены хаотично. Они имеют разные оттенки желтого и оранжевого цвета, от светлых до темных, есть красные и зеленые. Они выглядят сочными и спелыми, некоторые из них имеют трещины или пятна на кожуре. Они создают контраст с белой скатертью, которая имеет мягкие складки и отбрасывает тень на стол. Скатерть также контрастирует с вазой, которая имеет холодный голубой цвет. Свет падает на натюрморт справа сверху, освещая яблоки и скатерть.

Картина выполнена в импрессионистическом стиле. Художник использовал чистые и яркие цвета, свободный и динамичный мазок, световоздушную перспективу. Он не стремился к детальности или реалистичности в изображении предметов, а скорее к передаче своих впечатлений и настроения. Он создал картину легкую, свежую, радостную. Он передал ощущение лета, солнца, изобилия. Он также показал свое мастерство в работе с цветом и светом, создавая разнообразные тональные гаммы и колористические эффекты.

Натюрморт «Хризантемы» - это картина с цветами, расположенными в вазах на столе. На заднем плане видна часть окна. Композиция картины простая и асимметричная. Центральное место занимают цветы, которые составляют букет.